Por Margaret Jones
Muito provavelmente você já se deparou com "aquele" amigo: o que consegue conversar por horas a fio a respeito das diferenças mais sutis entre os subgêneros de um determinado tipo de música. Ou talvez você seja esse amigo. Toda vez que começamos a falar sobre qualquer gênero musical, abrimos espaço para todo tipo de opinião a respeito de como certas bandas pertencem a uma ou outra caixinha, mesmo que suas influências sejam as mais diversas possíveis.
Esse mesmo tipo de complicação acontece com a música clássica. Quando as pessoas pensam a respeito, elas associam em geral à música de orquestra, de câmara ou de ópera. Mas o que consideramos música "clássica" hoje em dia compreende mais de mil anos de composições, de maneira que ela tem uma história muito mais rica e diversa do que se poderia imaginar em termos de sonoridade, autoria e interpretação.
As formas mais antigas do que hoje consideramos música clássica começaram a aparecer no século IX, o que depois passou a ser conhecido como canto gregoriano. Essas canções foram as primeiras a serem escritas. Com o passar dos séculos, os compositores aprimoraram esse sistema, adicionando harmonias e, mais tarde, acordes. Apesar do sistema de notação manter uma certa coesão, as músicas não soavam da mesma forma, dependendo de onde, quando e por que motivo alguém as tivesse composto. Músicas medievais soam muito mais diferentes do que a polifonia da baixa Renascença.
Beatriz de Dia (que criou composições em algum período entre 1175 e 1212) é uma das compositoras mais antigas a ter trabalhos conhecidos. "A Chantar" é uma canção de trovador, escrita para o lazer da corte real e uma das suas únicas músicas a ter se conservado intacta.
"Spem in Alium", de Thomas Tallis (1570), foi escrita em quarenta partes diferentes, cada uma designada para um cantor distinto. Juntas, elas geram uma onda de som com idas e vindas conforme os cantores entram ou saem de cena. Ela foi composta, em parte, para expressar a riqueza e o poder da corte da jovem Rainha Elizabeth I.
O período barroco (de 1580 a 1750, mais ou menos) traz o trabalho dos pesos pesados europeus Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frederic Handel e Alessandro Scarlatti, que ajudaram a codificar a ópera. Nessa época, as estruturas ganharam importância; as canções eram escritas em tons específicos e músicas polifônicas com múltiplas melodias simultâneas eram feitas para densas composições.
A BWV 1080 de Bach – aqui interpretada por Cameron Carpenter – é exemplo da fuga barroca, em que múltiplas melodias se entrelaçam para ao final se resolverem.
O termo "clássico" também se refere a um período específico – algo entre 1750 e 1820 – compreendendo as obras de W. A. Mozart, Joseph Haydn e os primeiros trabalhos de Ludwig van Beethoven, entre outros. O estilo da época estava ligado à simetria e proporção, partindo do que havia sido feito no século anterior para destacar melodias virtuosas com acompanhamento de progressões de acordes.
Ouça os violinos após as fanfarras iniciais da Sinfonia nº 41 em Dó maior, "Júpiter", Movimento 1 (1788), de Mozart. A melodia rodopia sobre os acordes que pulsam subjacentes ao restante da orquestra.
Contudo, uma mudança estilística começou a se estabelecer por volta da primeira década do século XIX. Os compositores, especialmente Beethoven, começaram a criar sinfonias inteiras com base em ideias musicais rítmicas em vez de melódicas, levando ao período romântico da música clássica, que foi de 1820 a 1900.
Entre 1788 e 1808, Beethoven cria um movimento sinfônico inteiro a partir do mesmo padrão rítmico "curto-curto-longo" em sua Sinfonia nº 5, Op. 67. Vinte anos fazem muita diferença!
Alguns compositores também buscaram acrescentar um toque dramático ao longo do século XIX. Compositores como Giuseppe Verdi e Richard Wagner compuseram óperas que precisavam de cenários e figurinos elaborados, que depois inspiraram produtores e compositores de Hollywood na Era do Cinema Mudo e Era de Ouro. Mais ao fim do século XX, compositores vanguardistas buscariam ultrapassar os limites daquilo que os instrumentos orquestrais eram capazes de tocar, incorporando harmonias mais densas e elementos eletrônicos com os quais os músicos da performance deveriam interagir.
Olly Wilson (1937-2018) escreveu a canção "Sometimes" para tenores e gravadores usando a fita do gravador para distorcer a performance angustiada do spiritual afro-americano "Sometimes I Feel Like a Motherless Child", denotando-o com uma percussão perturbadora e estranhos guinchados de corda.
Há sempre muito a ser explorado em qualquer gênero musical, seja ele familiar ou não, de forma que ampliar demais um gênero põe em risco a compreensão daquilo que torna cada subdivisão tão única. Com os serviços modernos de streaming e lojas de discos de boa curadoria, tornou-se cada vez mais fácil filtrar os gêneros dentro da música "clássica", mas é bom conhecer a amplitude daquilo que se está explorando. Conforme for escutando novas músicas, procure saber que tipo de sons as tornam familiares e que tipo as diferenciam. É escutando atentamente que melhor se aprende a ouvir.
Margaret Jones é multi-instrumentista, compositora e professora de música de Oakland, CA. Ela toca violão e guitarra em diversas bandas locais, incluindo o seu próprio projeto autoral M Jones and the Melee. Ela também é doutora em História da Música pela UC Berkeley e leciona no Conservatório de Música de São Francisco.
”Sheet Music", de Ri Butov, está licenciada pelo Pixabay.
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