Por Margaret Jones
Tal vez tengas un amigo, ese que puede hablar por horas sobre las sutiles diferencias entre subgéneros de la misma clase de música. Tal vez tú eres ese amigo. Tan pronto te sumerges bajo la superficie de cualquier género musical, te enfrentas a una marejada de opiniones sobre qué clasifica a una banda en un estilo u otro, aunque tengan influencias variadas.
La música clásica se enfrenta al mismo dilema. Cuando la gente piensa en música clásica, suelen tener una idea general de música orquestal, de cámara u operática. Pero lo que muchos consideran música clásica hoy en día abarca más de mil años de historia, y en términos de cómo suena, para quién se creó y quién la toca, tiene una historia mucho más rica y diversa de lo que podrías imaginar.
Las formas más tempranas de lo que se considera música clásica se empezaron a desarrollar en siglo IX en lo que hoy se conoce como canto gregoriano. Estas composiciones son de las primeras que se guardaron por escrito. Durante los siguientes siglos, los compositores construyeron ese sistema, añadiendo armonías y, eventualmente, acordes. Si bien el sistema de notación musical conservó las piezas, dependiendo del momento, el lugar y la razón de la composición, la música no va a sonar igual. Una canción medieval suena completamente distinto a una polifonía renacentista.
Beatriz de Dia (quien compuso entre el año 1175 y 1212) es una de las más antiguas compositoras mujeres de las que se tienen registros. "A Chantar" es una canción de trovador, compuesta para el deleite de la corte real, y es la única pieza de Beatriz de Dia que ha sobrevivido intacta.
Thomas Tallis compuso "Spem in Alium" (1570) con cuarenta partes distintas para el mismo número de cantantes. Juntos, crean una red de sonidos que fluyen conforme los cantantes entran y salen. Se compuso como una forma de expresar la riqueza y poder de la corte de la reina Isabel I de Inglaterra.
En el período barroco (aproximadamente de 1580 a 1750) brillan luminarias como Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frederic Handel, Alessandro Scarlatti, quienes ayudaron a cimentar la ópera. La estructura se volvió muy importante en esta época; la música se escribía en escalas específicas y la música polifónica tenía melodías múltiples en densas composiciones.
"El arte de la fuga" de Bach (Cameron Carpenter interpreta uno de sus contrapuntos) representa la fuga barroca, donde múltiples melodías se entrelazan para llegar a un final.
El término "clásico" también se refiere a un período específico (aproximadamente entre 1750 y 1820) que abarca los trabajos de Mozart, Haydn y las obras tempranas de Beethoven, entre otros. El estilo de la época era de simetría y proporción, construyendo a partir de los desarrollos del siglo anterior, colocando melodías virtuosas sobre progresiones de acordes acompañantes.
Presta atención a los violines tras las fanfarrias iniciales en el primer movimiento de la Sinfonía 41 "Júpiter" en do mayor de Mozart (1788). La melodía retoza sobre los pulsantes acordes de la base del resto de la orquesta.
Sin embargo, un cambio de estilo comenzó a asentarse a inicios del siglo XIX. Los compositores, particularmente Beethoven, comenzaron a crear sinfonías que se salían de los ideales melódicos en favor de ideales rítmicos, llevando al período romántico de la música clásica, que abarca entre 1820 y 1900.
Saltando de 1788 a 1809, Beethoven crea todo un movimiento basándose en el mismo patrón rítmico (corto, corto, largo) en su Sinfonía 5, Op. 67. ¡Veinte años hacen mucha diferencia!
Durante el siglo XIX, muchos compositores buscaron una expresión dramática. Los compositores como Giuseppe Verdi y Richard Wagner crearon óperas que exigían elaborados escenarios y vestuario, que luego servirían de inspiración para los productores y compositores de las eras silenciosa y dorada de Hollywood.Posteriormente, en el siglo XX, los compositores avant-garde llevaron los instrumentos orquestales al límite, incorporando densas armonías y dispositivos electrónicos para que los músicos interactuaran en vivo.
Olly Wilson (1937-2018) compuso la pieza "Sometimes" para cantante tenor y reproductor de cinta, usando la cinta para distorsionar una versión del espiritual negro “Sometimes I Feel Like a Motherless Child," aportándole desorientadores sonidos de percusión y fantasmales chillidos de las cuerdas.
Con cualquier género de música, conocido o por conocer, siempre tendrás más cosas que explorar, y definir un género de manera muy amplia incurre en el riesgo de confundir lo que hace que cada subdivisión sea única. Con los servicios de streaming modernos y las tiendas bien organizadas, es muy fácil reducir los géneros dentro de la "música clásica", pero es bueno conocer la amplitud de aquello en lo que te estás metiendo. Cuando escuchas nueva música, analiza su sonido y descubre qué la hace diferente. Entre más cercano sea este análisis, más descubrirás.
Margaret Jones es una multiinstrumentista, compositora y maestra de música residente de Oakland, California. Toca la guitarra en varias bandas locales, incluyendo su propio proyecto de composición M Jones and the Melee. También tiene un doctorado en Historia de la Música de la Universidad de California en Berkeley y ha dado clases en el Conservatorio de Música de San Francisco.
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