Von Margaret Jones
Du hast wahrscheinlich diese eine Person in deinem Freundeskreis, die stundenlang über die subtilen Unterschiede zwischen den Subgenres der gleichen Musikrichtung sprechen kann. Vielleicht bist auch du diese Person. Sobald man die Oberfläche einer Musikrichtung ankratzt, öffnet man sich einem Schwall an Meinungen darüber, warum eine bestimmte Band in diese oder jene Schublade gehört, selbst wenn sie viele verschiedene Einflüsse vereint.
In der klassischen Musik besteht das gleiche Dilemma. Die meisten Menschen denken bei klassischer Musik grob an Orchester-, Kammer- oder Opernmusik. Doch das, was wir heutzutage als „klassische“ Musik bezeichnen, beschreibt über eintausend Jahre Musikgeschichte, und was ihren Klang, ihre Zielgruppe oder die Menschen angeht, die sie spielen, ist die Geschichte wesentlich reichhaltiger und abwechslungsreicher, als du vielleicht erwartest.
Die frühesten Formen dessen, was heute als klassische Musik betrachtet wird, entstanden im neunten Jahrhundert und wurden zu dem, was nun als gregorianischer Choral bekannt ist. Dies waren die ersten Melodien, die niedergeschrieben wurden. Über die folgenden Jahrhunderte haben Komponisten dieses System erweitert, Harmonien hinzugefügt und schließlich Akkorde. Während das Notationssystem zwar alles zusammengehalten hat, klang die Musik trotzdem unterschiedlich, je nachdem, wo, wann und wofür man etwas komponierte. Ein mittelalterliches Lied klingt völlig anders als eines aus der Polyfonie der Spätrenaissance.
Beatriz de Dia (die zwischen 1175 und 1212 komponierte) ist eine der frühesten Komponistinnen, deren Werke erhalten sind. „A Chantar“ ist ein Troubadour-Lied, das zur Unterhaltung des königlichen Hofs geschrieben wurde, und es ist das einzige ihrer Lieder, das die Zeit intakt überdauert hat.
„Spem in Alium“ (1570) wurde von Thomas Tallis in vierzig einzelnen Teilen für vierzig Sänger geschrieben. Gemeinsam erzeugen sie eine Klangwelle, die mit dem Ein- und Ausstieg der Sänger aufwallt und abebbt. Es wurde teilweise als Ausdruck des Reichtums und der Macht des Hofes der jungen Königin Elizabeth I geschrieben.
Die Barockzeit (1580 bis etwa 1750) sah das Erscheinen europäischer Schwergewichte wie Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Georg Friedrich Händel oder Alessandro Scarletti, die dabei halfen, die Opernmusik zu kodifizieren. In dieser Zeit wurden Strukturen wichtig. Musik wurde in bestimmten Tonarten geschrieben und mehrstimmige Musik mit mehreren simultanen Melodien sorgte für sehr dichte Kompositionen.
Bachs BWV 1080 – hier gespielt von Cameron Carpenter – steht beispielhaft für eine Fuge aus dem Barock, bei der mehrere Melodien sich überlagern und letztendlich abschließen.
Der Begriff „Klassik“ bezieht sich auch auf einen bestimmten Zeitraum – etwa 1750 bis 1820 – und schließt unter anderem die Werke von W. A. Mozart, Joseph Haydn und die frühen Werke von Ludwig van Beethoven ein. Der Stil der damaligen Zeit war einer der Symmetrie und Proportion, aufbauend auf einigen der Entwicklungen des vorangegangenen Jahrhunderts, die virtuose Musik über begleitende Akkordfolgen zu legen.
Achte nach den anfänglichen Fanfaren auf die Geigen im ersten Satz von Mozarts 41. Sinfonie in C-Dur, der „Jupitersinfonie“ (1788). Die Melodie wirbelt über die Akkorde und pulsiert im Rest des Orchesters.
Um das erste Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts setzte jedoch eine stilistische Veränderung ein. Komponisten, insbesondere Beethoven, begannen damit, ganze Sinfonien aus rhythmischen, musikalischen Ideen zu erschaffen, anstatt aus melodischen, was zur Romantik-Zeit der klassischen Musik führte, die etwa von 1820 bis 1900 andauerte.
Zwischen 1788 und 1808 erschafft Beethoven eine ganze Sinfoniebewegung aus der gleichen „Kurz-kurz-lang“-Rhythmusfolge, die seiner 5. Sinfonie Opus 67 entstammt. Zwanzig Jahre machen einen großen Unterschied!
Über das 19. Jahrhundert hinweg versuchten manche Komponisten, einen dramatischen Klang zu erzeugen. Komponisten wie Giuseppe Verdi und Richard Wagner schrieben Opern, die aufwendige Kulissen und Kostüme erforderten, die schließlich zur Inspiration für Hollywoodproduzenten und -komponisten der Stummfilm- und „Golden Age“-Zeit wurden. Später, im 20. Jahrhundert, würden fortschrittliche Komponisten an die Grenzen dessen gehen, was in der Orchestermusik gespielt werden kann, und dichtere Harmonien und Elektronik einbauen, mit der Livemusiker interagieren konnten.
Olly Wilson (1937 – 2018) schrieb das Stück „Sometimes“ für Tenorsänger und Bandgerät, wobei er das Bandgerät nutzte, um eine schwermütige Interpretation des afroamerikanischen spirituellen „Sometimes I Feel Like a Motherless Child“ zu verzerren, was es mit desorientierenden, perkussiven Klängen und unheimlichem Quietschen der Streicher versah.
Bei jeder Musikrichtung, ob vertraut oder nicht, gibt es immer mehr zu entdecken, und ein Genre zu weit zu fassen, birgt die Gefahr, nicht mehr zu verstehen, was jede Untergruppe einzigartig macht. Mit modernen Streaming-Diensten und Plattenläden mit guter Beratung ist es einfacher, die Untergruppen innerhalb der „klassischen“ Musik einzugrenzen, aber es hilft, sich darüber im Klaren zu sein, wie weit, das Feld ist, in das man sich hineinwagt. Frage dich beim Hören von neuer Musik, wie sie klingt und was sie von anderer unterscheidet. Je genauer du lauschst, desto mehr wirst du hören.
Margaret Jones ist Multiinstrumentalistin, Songwriterin und Musiklehrerin aus Oakland, Kalifornien. Sie spielt Gitarre in mehreren Bands in ihrer Heimat, unter anderem in ihrem eigenen Songwriter-Projekt M Jones and the Melee. Sie hat an der UC Berkeley in Musikgeschichte promoviert und am San Francisco Conservatory of Music unterrichtet.
„Sheet Music“ von Ri Butov ist lizenziert von Pixabay.
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